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ARTÍSTAS GÓTICOS

       

JAN VAN EYCK

                                                                 

Jan van Eyck (Maaseik, c. 1390 - Brujas, 1441) fue un pintor flamenco que trabajó en Brujas y, junto a Robert Campin, en Tournai. Fue fundador del Ars nova, estilo pictórico del gótico tardío en el siglo XV, que anuncia el Renacimiento Nórdico de Europa. En tal sentido Van Eyck es el más célebre del conjunto de pintores llamado los Primitivos Flamencos.

Van Eyck tiene como antecedentes que le influyen a los hermanos Limbourg —extraordinarios miniaturistas—, al escultor Claus Sluter —la forma de representar los pliegues de las telas que Sluter hace en piedra es prácticamente la misma forma con que van Eyck pinta los pliegues de las telas—, y el poco conocido pero valioso pintor Melchior Broederlam.

Este periodo del arte flamenco se caracteriza por el naturalismo de vívidos colores al óleo, la meticulosidad de los detalles, la precisión de las texturas y la búsqueda de nuevos sistemas de representación del espacio tridimensional (véase Perspectiva).

En lo que atiene a la búsqueda de los efectos tridimensionales Van Eyck no recurre tanto a la perspectiva con un punto de fuga, sino que logra dar cierta impresión de tridimensionalidad mediante la técnica de las «veladuras» o tenues capas de óleo aplicadas unas sobre otras y todas sobre un soporte que consta de una tabla de madera (generalmente de haya) pulida y pintada de blanco, con lo que se logra una reflexión de la luz con el consecuente brillo de la pintura y una sugestión de profundidad. Van Eyck se atrevió con estos métodos a intentar lo que luego se llamaría trompe d'œil o trampantojo.

De Jan van Eyck se conservan cuidadosamente firmadas y fechadas entre 1432 y 1439 nueve obras; cuatro de ellas son de tema religioso, como la Virgen del canónigo Van der Paele (1436, Museo Groeninge, Brujas) o la Virgen del Canciller Rolin (Museo del Louvre, París) y las otras cinco son retratos, como el de Giovanni Arnolfini y su esposa (1434, National Gallery, Londres). Como en casi todas las obras de Van Eyck, en ésta abundan las alegorías y las simbologías: figura un espejo circular convexo en el cual aparece vagamente reflejado el propio autor, y bajo dicho espejo la frase «He estado aquí». Aunque no es exactamente el sistema de juego especular que luego utilizará Velázquez en Las Meninas, existe en el cuadro de Van Eyck un interesante precedente, que es, entre otras cosas, una búsqueda de la superación que la bidimensionalidad del cuadro impone a la representación de los espacios. Van Eyck refuerza una «integración» del espectador dentro del espacio virtual representado en su obra.

                                                                                            

Roger van der Weyden

Roger van der Weyden (Tournai, hoy en la provincia de Henao, Bélgica, 1399/1400 - Bruselas, 18 de junio de 1464), fue el pintor más célebre e influyente de la escuela flamenca en el período gótico. También se le conoce como Roger de la Pasture o Rogier de le Pasture.

Fue maestro de Jan van Eyck y Robert Campin. Es nombrado maestro en Tournai en 1432. En 1435 se instala en Bruselas, que se convirtió en su residencia habitual. Allí creó un taller y fue nombrado pintor oficial de esa ciudad (1436).Estuvo en Italia para ganar el jubileo de 1450, y allí conoció las obras del pintor Gentile da Fabriano. Estuvo en Roma y parece que también en Ferrara.Su hijo Pierre también fue pintor, aunque no tan destacado. Rogier de le Pasture influyó en varios otros artistas, tales como Hugo van der Goes, Hans Memling, Petrus Christus, Dirk Bouts y Gérard David.Sus únicas obras firmadas son los cuatro paneles dedicados a la justicia que estaban en la Sala dorada del ayuntamiento de Bruselas y que se perdieron en los bombardeos de 1645. En Berna hay unos tapices que son reproducciones de ellos.Así pues, realmente, no se conserva nada suyo firmado, y sus figuras tuvieron tanto éxito que fueron muy reproducidas. Aun así, las atribuciones son muy poco cuestionables.

Se distingue tanto por la interpretación de temas religiosos (patéticos y marianos) como por sus notables retratos. Pinta al óleo sobre madera, en panel único, dípticos o polípticos. En sus primeras obras, su estilo es marcadamente gótico: hierático, y realiza fondos dorados. Posteriormente evoluciona hacia líneas sinuosas y fluidas en cuerpos y en drapeados. Sus personajes presentan un marcado corte realista.

ALGUNAS OBRAS:

• San Lucas dibujando a la Virgen, 1435-1440, Museo de Bellas Artes (Boston). Considerado el mejor cuadro de esta época existente en Estados Unidos.
• El descendimiento de la cruz, h. 1436, Museo del Prado, Madrid. Su obra maestra y una de las pocas de autoría segura.
• La Virgen con el Niño (Madonna Durán), Museo del Prado, 1440.

• Tríptico del Calvario, h. 1440, Museo de Historia del Arte de Viena de Viena.
• La Virgen con el Niño ante una iglesia, Museo Thyssen-Bornemisza, h. 1443.

                                                           

Simone Martini (Siena, Italia h. 1284 - Aviñón, Francia h. 1344), fue uno de los grandes pintores del Trecento en Italia. Fue una figura principal en el desarrollo de la primitiva pintura italiana e influyó fuertemente en el desarrollo del estilo gótico internacional. Se enmarca en la escuela sienesa, a la que pertenecieron también los grandes pintores Duccio di Buoninsegna, Lippo Memmi y los hermanos Lorenzetti. Fue el más reputado maestro entre los pintores del Trecento en el dominio del color. Elementos esenciales de su estética son su gusto por la línea y la caligrafía admirable de los miniaturistas de la Escuela de miniaturistas de París.La pintura fue el arte favorito de la ciudad de Siena, cuya escuela de pintores rivalizaba con la de Florencia. Durante los primeros años del siglo XIV, mediante una manera de pintar inspirada en los modelos y la técnica de la maniera greca, diferenciada, por tanto, de Giotto y la escuela florentina, los pintores de Siena lograron formular también el tema del espacio pictórico. El estilo de la escuela sienesa y de Simone Martini se manifestó en el amaneramiento y la estilización de las figuras así como en el uso de los fondos ornamentales dorados y de una gama de color subjetiva que proporcionan una notable expresividad lírica a las composiciones.

Se desconoce el lugar y la fecha de su nacimiento aunque es probable que viera la luz en Siena hacia el año 1285. Se cree que Martini fue un alumno de Duccio di Buoninsegna, el pintor sienés más destacado de su época. Su cuñado fue el artista Lippo Memmi. Sobrevive muy poca documentación en relación con su época, y muchas atribuciones son debatidas por los historiadores del arte. Nada se sabe de su adolescencia, ni de quienes fueron sus maestros, aunque sin duda fue aprendiz desde muy temprana edad, como sería la práctica normal.Su vida, pues, permanece en la más absoluta oscuridad hasta que en 1315 recibe el encargo de pintar al fresco una Maestà para el Palazzo Público de Siena o ayuntamiento de Siena. Dicho encargo permite suponer que en aquella fecha, Martini gozaba ya de un gran prestigio comparable al de Duccio di Buoninsegna cuya Maestà había sido objeto de un recibimiento entusiasta tan solo unos pocos años antes (1311). En su ciudad natal, pues, Simone Martini tuvo varios encargos. Una copia de su Maestà, ejecutada poco después por Lippo Memmi en San Gimignano, testimonia la perdurable influencia que los prototipos de Simone tendrían en otros artistas a lo largo del siglo XIV. Perpetuando la tradición sienesa, el estilo de Simone contrastaba con la sobriedad y la monumentalidad del arte florentino, y destaca por sus rasgos decorativos, suaves, estilizados, la sinuosidad de la línea y una elegancia cortesana no sobrepasada. El arte de Simone debe mucho a la iluminación de manuscritos francesa y la talla del marfil: ejemplos de semejante arte ern llevados a Siena en el siglo XIV a través de la Vía Francígena, una ruta principal de comercio y peregrinación desde el Norte de Europa a Roma.

ALGUNAS OBRAS:

Las principales obras de Simone incluyen la Maestà (1315) en el Palacio Comunal en Siena, San Luis de Tolosa coronando a Roberto de Anjou, rey de Nápoles del Museo de Capodimonte en Nápoles (1317), el Políptico de S. Caterina en Pisa (1319).

                          

FUENTES DE OBTENCIÓN IMAGENES

DIRECCIÓN DE PÁGINA  CONSULTADA	INFORMA DEL CONTEXTO SOCIAL DE LA ÉPOCA	HABLA DE CUALES ESTILOS	INCLUYE FUENTE
http://www.arteguias.com	Sí	Todos	Sí
http://www.historiadelarte.us	Sí	Hasta el Medievo	Sí
.http://www.artespain.com	Sí	Arte español	Sí

IMÁGENES DEL GÓTICO

                                                                                                                     

  Jan van eyck.

Tetramorfos, tabla de Fernando Gallego

San Francisco de Asís    predicando ante Honorio III, fresco de Giotto

                     Catedral de Amiens

DATOS RELEVANTES:GÓTICO EN ITALIA

  Italia aparecía hasta hace poco tiempo como la nación de Europa que más se había resistido a la influencia del estilo gótico francés. En el suelo de la Península, las tradiciones clásicas nunca se perdieron por completo; en los siglos más oscuros de la Edad Media subsisten latentes las formas romanas, esperando el momento oportuno para dar señales de vida. Así fue como la generalidad de los estudiosos llegaron a creer que el arte gótico no había dejado en Italia más huella que algunos monumentos aislados, que podrían calificarse como de importación. Pero, a medida que se conocen los monumentos secundarios de provincias, se va observando que hay en Italia zonas importantes de penetración de los estilos del otro lado de los Alpes.

Mientras se estudiaron solamente los edificios famosos de las grandes ciudades, no había más catedral enteramente gótica que la de Milán, ni otro caso de importación que la iglesia alta de San Francisco de Asís; pero las opiniones han cambiado mucho en estos últimos decenios.

En buena medida el éxito del arte ojival se debe a la expansión de órdenes religiosas como la cisterciense. En Italia, las órdenes que también adquieren gran protagonismo en la introducción del gótico en el país fueron mendicantes, franciscanos y dominicos, que estuvieron siempre en contacto con París.

Cabe señalar, por otro lado, que en Italia acaba evolucionando un gótico que presenta rasgos más singulares que los que podemos encontrar en otros países, como España y Alemania, por ejemplo, y que donde encuentra este arte un campo de expresión más cómodo para la creatividad de sus artistas es en la arquitectura civil, como se puede ver al visitar Toscana, Umbría y Florencia. Aunque, sin duda, más que una obra de arte, debemos destacar, como culminación del gótico italiano, la figura del gran Giot-to di Bondone, artista gótico y humanista encumbrado a los altares de la historia del arte.

 El Palacio Ducal de Venecia (1309-1424), uno de los mejores ejemplos de arquitectura gótica civil. Construcción compacta que se centra alrededor de un patio interior a la manera de la vivienda típica italiana, asombra por su refinada riqueza decorativa. Si la galería inferior tiene valor estructural, la superior es un encaje sobre el que se asientan las losas de mármol policromo que parecen flotar en el aire.

ANEXO DEL CONTEXTO HISTÓRICO GÓTICO

El arte gótico se desarrollo en el contexto europeo durante más de trescientos años, perdurando en algunos lugares incluso más tiempo. En ese periodo se produjo una evolución constante en el estilo, muy marcado por la propia identidad de cada territorio.

En la sociedad de la baja edad media se producen profundos cambios en las formas de vida y en l concepción del pensamiento religioso, que afectan decisivamente a al aparición de un nuevo estilo, el gótico. De un lado, tiene lugar el crecimiento de las ciudades; en ellas una nueva clase social urbana de artesanos y comerciantes va a encontrar en la catedral, que constituye el tipo de edifico mas representativo de los nuevos tiempos, en la que convergen todas las actividades artísticas, una identificación  ala que entregarse vitalmente. De otro lado surge una religiosidad que pone énfasis  en el aspecto intangible del espíritu de Dios, que llena con su luz el espacio de la iglesia.

Aunque posiblemente detectar una evolución orgánica, el gótico se conforma con un estilo nuevo, aunque muy diverso, tanto por su compleja evolución, que llega hasta el siglo XV, como por las variantes religiosas. En arquitectura se caracteriza por la existencia de una estructura articulada que permite abrir grandes vanos en los muros, que tienden a la ligera y a la verticalidad. En las artes figurativas, la naturaleza, como obra divina, se descubre en múltiples pormenores.

Un periodo de cambios.

El gótico abarca la época pleno y bajo medieval en Europa. Durante este extenso periodo de la edad media, se fueron desarrollando una serie de procesos que marcaron las épocas posteriores y que muchas ocasiones tenían una gran conexión con la corriente artística que nos ocupa.

Es la época de las Universidades, cuando comienzan su expansión y se asientan como la cuna de la cultura, que abandona las escuelas catedralicias y monásticas.

Las ciudades comienzan su expansión y en ellas, como símbolo de las mismas, comienzan a realizarse los ejemplos más característicos del arte gótico: las catedrales. En ellas se van a reflejar los grandes logros, así como los gustos de las clases y oficios urbanos, que ven ellas la manifestación de sus ideas y valores.

Desde el siglo XIII comienzan a asentarse y a expandirse los reinos occidentales, que serán las bases, cuando no el germen directo, de los estados modernos. En ellos la monarquía se establece como forma política, y entorno a ella se realiza toda una serie de representaciones artísticas que tienen en el gótico su vehículo de expresión.

Fuente Bibliográfica:

HISTORIA DEL ARTE

AUTORES: LUIS DIEZ DEL CORAL BELDA, HENAR PARRA CASADO.                 EDITORIAL: SANTILLANA.     PAG.92-93.

FUENTES DE CONSULTA BIBLIOGRÁFICA

BIBLIOGRAFÍA	INFORMA DEL CONTEXTO SOCIAL DE LA ÉPOCA	HABLA DE CUALES ESTILOS	INCLUYE FUENTE
Historia del Arte , 2da de Bachillerato	Sí	Desde el Prehistórico a Contemporáneo	Sí
Historia del Arte, Julieta de Jesús Cantú	Sí	Desde el Prehistórico a Contemporáneo	Sí
Arte Antiguo, P. de Martino	Sí	Hasta el Medievo	Sí